张海君丨后疫情时代演出行业的发展和思考

作者：张海君
（北京演出行业协会会长，北京市演出有限责任公司董事长）

一、引言

　　十三五以来，中国演出市场规模逐年增长，市场发展态势向好。一方面，演出市场票房不断攀升，2019年中国演出票房超过200亿元，同比增长9.99%，增速创近5年最高水平。另一方面，演出空间更加多元，当前专业剧场数量已超过2400个，每年保持着5%的增速，且演出阵地从剧场不断向大型场馆、文旅景区、城市商业综合体等空间扩延。2019年，剧场、演唱会、旅游演出在票房上齐头并进，呈三足鼎立态势。同时，观演取向逐渐清晰，演出观演人群呈现“低频次、高单价、稳输出”的消费特征，观演群体呈现年轻化、圈层化趋势。此外，随着文化产业监管及服务体系的健全，新技术、新模式、新业态的初步呈现和应用，产业融合和新文娱时代的到来，整个演出行业迎来规范化、高质量、可持续的发展新机遇。
　　但始料未及，2020年伊始，一场突如其来的疫情给全球社会经济和日常生活带来很大冲击，演艺行业自然也不能幸免，线下演出市场几乎遭受毁灭性打击。从国际来看，美国、英国、意大利、日本、韩国等全球剧场演出和音乐节均受影响。3月，美国纽约百老汇联盟宣布百老汇所有剧院关闭30天，预估停业损失超过1亿美元；50家伦敦剧院及英国全境250家剧院开始关闭。4月，41家百老汇剧院（500座以上）全部熄灯。5月，伦敦莎士比亚环球剧场面临运营危机。6月，百老汇所有剧院将关闭至年底。8月，英国国家剧院经典剧目《歌剧魅影》被迫“永久退出舞台”，解雇400名临时工，收入损失75%。从国内来看，一是票房损失，据悉，1月至3月，直接票房损失超20亿元。预估2020年上半年国内取消演出场次约100-120万场，票房损失约70亿元。二是企业关停，启信宝数据显示，截至8月2日，全国共339736家演艺、演出业务相关公司，7个月内，已有13198家公司注销或吊销。三是现金流告急，根据中欧商业评论的调查数据显示，85%的中小企业账上现金只可维持3个月，仅有不到9.96%的企业能维持6个月以上。

　　面对疫情造成的行业困境，演出行业并没有坐以待毙，而是临危思变，积极采取应对措施，谋求特殊时期的生存之道。疫情期间，这些看似过渡性的无奈之举，在某种程度上加速了行业的变革，助推了新技术、新空间、新模式、新业态在全区域、全行业、全产业链的有效应用，激发了行业在演出方式、演出空间、跨界融合、商业模式等方面发生的快速转变。随着疫情回稳，演出业正逐步复苏。近期，国家提出了要逐步推动形成以国内大循环为主体、国内国际双循环相互促进的新发展格局。未来，我国将以不断扩大内需，主要服务国内市场为导向，以国内消费侧的需求推动文化供给侧的改革。演出行业也将迎来产业升级，打开新的局面，实现新的增长。

二、后疫情时代演出行业的发展趋势

（一）演出方式更加丰富，线上演出激发创新活力，但线下演出不可替代

　　疫情常态化防控形势下，受剧场上座率未完全放开、观众对密闭空间聚集恐惧和市民“钱袋子”缩紧等因素影响，线下演出市场若想恢复到疫情前水平仍需时日。因此，众多演出机构、剧场和音乐人纷纷“云”上寻机，探索“互联网+”的全新观演方式。云展演、云直播、云音乐会、云活动等成为线下演出企业绝地重生的制胜法宝。放眼国际，以柏林爱乐乐团限时免费数字音乐厅为开端，维也纳国家歌剧院、纽约大都会歌剧院、赫尔辛基广播交响乐团、费城交响乐团等皆推出在线音乐会。近观国内，2月3日，摩登天空在B站直播间发起“宅草莓不是音乐节”线上试播活动。3至9月，国家大剧院、上海交响乐团、上海文化广场、上海芭蕾舞团、央视音乐、西安交响乐团、全国京剧院团等国有演出团体纷纷推出耳目一新的线上演出节目。
　　对于线上演出的持续升温现象，有观点称只是一时的无奈之举。但笔者认为这种新演出方式的诞生和发展，有其必要性和合理性。一是演出形式多样灵活、用户观看时间和场景限制少。据不完全统计，《见字如面》《天天向上》《我是大明星》《王牌对王牌》等近20档综艺节目嘉宾、观众、节目工作人员凭借一部手机，在虚拟空间共同完成节目创作，线上演出突破了现场演出容量有限的不足，让制作更快捷高效。二是线上演出具有成本控制优势，降低制作成本的同时有利于巡演。2020年前三个季度，在30%、50%、75%等剧场上座率限制下，更多歌剧制作倾向采用简约音乐会版或“半舞台”版。一部“重量级”的《图兰朵》，往往要投入数百万元，但上海歌剧院的《唐·乔万尼》，成本只有其十分之一，现场舞台虽简约却不失品质，剧院还邀请了豪华的演唱阵容保证艺术标准。可见，线上演出对于线下演出而言，无疑是良好的延展与补充。三是助力实现品牌引流，扩大受众覆盖面和传播范围。例如，5至6月，北京演艺集团举办了首届线上演出季，据各大直播平台数据统计，6场演出总观看人数为4596万，总点赞量为1014万。其中“京演奇妙夜”因偶像演员阿云嘎参与，单场演出总观看人次突破1000万，对于小众舞台艺术而言已是超越想象力的数字。四是可拓宽营收渠道，提升观众买单意愿。通过对迪士尼等国外经典案例的线上演出进行研究，可知其盈利模式已较为成熟，实现了门票收入、广告费、冠名费、点播权转授权收入和live歌曲版权收入等多种营收模式。疫情发生后，国内也开始积极探索线上演出的多元盈利模式，如TFBOYS七周年演唱会、摩登天空草莓星云计划等受到了观众认可，取得较好的观演成绩和商业收益，当然其背后离不开项目方对演出故事感、综艺性、观赏性的打磨。五是重新定义了演出行业的从业标准，加速实现行业的信息化、智能化转型。随着线上演出的不断探索创新，线上“云服务”价值得以放大凸显，也因此推动了传统演出机构在数字化产业领域的深耕细作，不仅促使他们在平台建设、渠道拓展、技术创新、传播方式、在线互动等方面做出更多变革，也对演出行业从业人员在拍摄、编程、剪辑、特效等方面能力提出更高要求，推动了演出产业高质量发展。如郝云演唱会在保留线下演出基本属性前提下，加入了更多维度舞台、3D视觉运用及轻综艺的制作模式，创新呈现了三个舞台：录音室站位设计舞台、融入3D视觉效果和现场MV特效的单人小舞台和容纳访谈区域和乐手客厅的舞台，对传统线下演出做了突破和升级。
　　当然笔者并不认同对于线上演出的盲目跟风现象。由于线上直播等技术在传统演出业的应用时日尚短，演出水准仍时有不稳定表现，演出体验亦尚不能与现场演出相提并论。如京东草莓音乐节直播时也会经常出现卡顿、画面模糊的状况。诚然，线上演出体验会随着5G、VR等技术革新变得更个性化、更具视觉效果，但演出公司对技术革新基本无能为力，只能被动等待基础设施革新。由于我国艺术普及尚在起步、市场观众基础较为薄弱、部分演出水平和质量有待提高、线上演出以公益居多、网络盈利实际转化率不高等现实情况，疫情后的线上演艺何去何从，仍有待观望。
　　演出的魅力不仅在于现场感、沉浸感、互动性，更是一种生活方式的选择。而线下演出营造的真实体验和氛围是不可替代的。因此，笔者认为未来演出的关键在于坚守演出本体的前提下，兼顾新的演出方式，把握好线上线下业务的平衡发展关系。一方面，要直面虚拟运营，一方面，线上演出又不能仅仅照搬线下演出，而是要提升线上体验、强化观众参与互动，方能支撑线上演出的整体持续性发展。

（二）演出空间更加多元，从单一的室内剧场向户外空间转变

　　疫情过后的演出复演在重返传统剧场的同时，还将逐步开拓多层次、全方位演出空间，让演出空间迸发出更多创意。演出空间的创新利用与转变，主要体现在以下两个方面：
　　一是升级存量剧场空间，延伸演艺时间。重返传统剧场不应是简单的回归，而是应创新利用现有专业剧场空间，让剧院的白天也精彩，打造24小时营业模式。如在疫情期间，上海大剧院利用闭馆空档，完成场馆功能升级，以剧院文化为主题，衍生餐饮、文创、展览、开放舞台、亲子活动等内容，打造“A+艺术空间”。杭州西溪印象城更是早在2019年初即引入全国首家24小时艺术剧场“丰马in剧场”，延展内容及时间体验，打造家庭共享艺术空间，场内与场外构成集合时尚戏剧、高端音乐表演、儿童亲子剧等多元内容的艺术空间，将购物中心变得更富于故事性与文化认同感。
　　二是扩张增量户外舞台，开拓演艺新空间。正如英国著名导演彼得·布鲁克提出的观点——“很多剧团走向社区，踏进公园，任何地方都能演戏”。未来，演出机构将从传统剧场走向大型场馆、文旅景区、城市商业综合体、博物馆、文创园区、工业园区、公园、艺术中心、实体书店、商场、办公楼、酒店、餐厅、茶馆、胡同、船舶等场所，把眼光放在更广阔自由的舞台，开拓演艺新空间。如上海“2020户外舞台演出季”发挥了文化广场作为产业链中间端的平台优势，汇聚舞台演出资源、剧场空间服务和观众会员社群，提供开放多元的演艺舞台，真正意义上突破文化广场的建筑壁垒，创新实践主剧场演出之外的演出形式。截至目前，上海已经拥有32家“演艺新空间”，在大中型专业剧场外，为不同类型不同需求的演出团队提供更多演出场地。9月11日，由北京市演出有限责任公司（以下简称“北演公司”）承办的“大戏东望·2020南锣鼓巷戏剧展演季”，首次创新采用戏剧融入街区，以“大戏剧”概念整合新业态演出，以大密度原创内容和非同以往的视听体验，重构后疫情时代的跨时空观演关系，倡导戏剧与空间共融，成为东城戏剧的一次重要创举。
 

（三）演出内涵形态更加融合，逐渐打破圈层壁垒

　　当下，突破圈层打破跨界瓶颈已成为演出行业发展的必然趋势。随着在文化部和旅游部合并、互联网等技术发展和用户需求差异化，使得不同细分领域间的用户转换成本变低，演出产业与消费、旅游、科技、金融、地产等产业的融合使得传统演出行业边界变得逐渐模糊，不断丰富演出内涵、优化产业链、延伸价值链，催生新的业态、新的消费方式、新的增长点，构建由内容创新、经营创新、形态创新组成的演出生态新格局，实现演出行业的规模扩张和跨越式发展。
　　首先，与不同艺术种类融合，实现内容创新。近年来，音乐剧、舞蹈剧、京剧、评剧等不同剧种的联合，实现了演艺的内涵创新。如大型真人秀节目《国色天香》节目《大中国》，将流行音乐、小品及评剧的表演形式完美融合；《文成公主》由中国京剧院与西藏自治区藏剧团联合演出，以京剧唱腔演绎文成公主一角，以藏戏唱腔演绎松赞干布一角，实现了这两种曲目自诞生以来的第一次强强联合，开创了戏曲融合新纪元。
　　其次，与不同业态融合，实现经营创新。各演出主体通过整合不同业态的资源、要素、模式，挖掘出市场新需求、消费新动能、经营新模式。一是演艺与旅游的融合，让演艺成为旅游景区盘活存量的突破口。如清明上河园2020版《大宋·东京梦华》通过和演艺产品结合发展夜游，将吃、住、行、游、购、娱等所有要素全部打通，突破客群、时段、季节限制，打造全年龄、全时段、全季节旅游产品，真正意义上实现景区产品的全面提升。二是演艺与商业的融合，探索构建了线下演出商业的IP全产业链模式。如《触电·鬼吹灯》以IP为原点，基于与粉丝沉浸式的娱乐互动，整合IP资源、演出资源、地产资源，构建完整的商业闭环。一方面抓住了都市青少年娱乐的升级需求，一方面满足商业综合体、综合购物中心等生活、文化空间对于流量及商业价值的沉淀需求。演艺与商业的融合创新，将为大众商业生活提供一种崭新的互动场景和文化娱乐手段。三是演艺与体育的融合，探索出体育场馆的多元化运营模式。如2019年8月8日晚，由北演公司联合承办的2019年“文化中国·水立方杯”海外华侨华人大联欢晚会在水立方圆满落幕，来自31个国家50个分赛区的100余名选手表演歌舞等精彩节目，广受海内外关注与好评。北演公司与国家游泳中心（水立方）的跨界合作，创新了后奥运时代的奥运场馆发展模式，不断提升“梦幻水立方”的驻场演出品牌影响力和市场美誉度。四是演艺与综艺的融合，首次创作出“京剧+脱口秀”的全新节目形式。如《瑜你台上见》综艺节目以著名京剧演员王珮瑜为主角，带领观众走进京剧世界。首期节目上线后占据爱奇艺站内“综艺飙升榜”“脱口秀榜”“曲艺榜”第一，站内热度值峰值达到3600。五是演艺与影视的融合，通过制作国粹文化底色的爆款影视剧，盘红了京剧IP。如《鬓边不是海棠红》不仅在剧集中囊括了20多出京剧、5-6处昆曲、8-9个旦角流派的内容，还别出心裁地通过“《鬓边》百科”和屏幕右侧“题词器”科普京剧知识，利用“弹幕追剧”营造身临戏园台上台下互动的沉浸式体验。该剧首播当日爱奇艺站内热度值破7000大关，开播日5个热搜登上新浪微博热搜榜。六是演艺和游戏的融合，将游戏相关元素融入舞台剧，打造全新现场演出方式。如宋城景区和王者荣耀两大IP强强联合，通过“景区场景+宋朝服饰+游戏人物舞台剧+COSER游街”等形式，相互引流，在内容创新、落地执行上碰撞出不一样的火花，倍受年轻群体喜爱。
　　最后，与不同技术融合，实现形态创新。随着互联网、AR/VR/全息投影、人工智能等技术的不断应用，演出与技术融合程度不断加深，推动了演艺行业的转型升级，催生了演艺新产品，提升了演艺新体验。一是互联网技术与演艺的融合，拓宽了传统演艺行业边界，推动了演艺市场转型升级。疫情影响下，传统演艺市场在互联网新技术驱动下转型升级，形成更丰富、更创新、更优质的“新供给”，创造出新的消费场景，助力智能决策、经营效率提升、内容和服务优化和观众体验升级。如北京演艺集团积极探索传统演艺行业的互联网化发展，利用品类齐全的文艺院团优势，成功打造出全天候、新形式的爆款IP——“京演剧场”。二是AR/VR/全息投影技术与演艺的融合，利用虚拟现实打破了五感限制，营造出沉浸式体验。如邓丽君全息演唱会以全息影像的方式呈现，“邓丽君”在投影的衬托下更加真实，画面更具空间感和年代感，突破时空界限，让观看者们仿佛置身梦境。三是人工智能技术与演艺初步融合，开始在乐队演奏和作曲领域小试牛刀。如2019年4月，由清华大学打造的全球首支中国风机器人乐队——“墨甲”演奏舞台音乐剧《墨甲幻音》再次亮相，演奏4支不同合奏曲目和2支独奏曲目。上海大剧院20/20演出季首度探索和人工智能小冰合作，创作了绘画作品、诗歌作品及一系列歌词、旋律。

（四）摒弃小作坊式经营模式，逐步探索清晰成熟的产业商业模式

　　当前，我国大多数演出企业仍以小作坊式经营模式为主，其经营收入来源以票房和商业赞助为主，没有建立相应的利润屏障，缺乏完整的产业链，盈利模式单一。反观其他行业，在影视娱乐领域和文化创意领域，全球娱乐业巨头迪士尼的内容IP板块2019年实现了107亿美元的收入，同比增长8.96%；阅文集团2019年实现总收入83.5亿元，同比增长65.7%。其中，版权运营业务实现爆发性增长，收入同比激增341%至44.2亿元，表明以版权运营为核心多元变现取得成果，优质内容长期价值的可持续性正逐步凸显。迪士尼与阅文集团的成功实践验证了内容型企业IP孵化战略和全版权运营战略的可行性和正确性。
　　一是打通以内容IP为核心的泛娱乐产业链。以迪士尼为例，其通过影视和动画IP内容的打造和积累，形成不断成长的全产业链布局，实现了IP的流转、增值、变现，建立了迪士尼商业帝国。其建立过程分为三个阶段：内容IP创造、传播网络、产业扩张。首先，通过塑造IP集群价值观，赋予产品灵魂，培养内容IP的吸引力；其次，通过全年龄、全地域、全渠道的网络传播，扩散内容IP的影响力；最后，通过影视娱乐、主题乐园、衍生品消费、互动娱乐等IP全情景打造实现产业扩张，刺激内容IP的购买力。
　　二是开拓以版权运营为导向的多元盈利模式。以阅文集团为例，2019年，其在版权运营和改编方面取得显著进展，通过与娱乐行业优质合作伙伴的协作，推动IP在影视剧、网络剧、动漫、动画、游戏、衍生品、主题公园等多领域布局渗透，实现了IP全版权运营的同步发展。作为内容产业的代表性企业，阅文集团已经率先实现了从“文学IP库储备”——“IP孵化“——“IP价值转化”的全产业链布局，这得益于其一直坚持按照三条线进行深化：一是通过内容建设，打造最大的IP资源库；二是依托在线阅读业务和强大的用户群体，孵化IP；三是打通IP全版权运营，激活价值，实现文学IP的多元化开发和高效变现。
　　他们的成功也为同为内容行业的演出业提供了清晰的参照路径。近两年，国内演出企业开始抓住国家支持原创内容和演出行业市场化转型政策机遇，打破战略惯性，提前布局专业演出内容制作运营平台。如保利演出以“内容驱动、IP运营、文旅融合”为核心，聚集和创造大IP，打造集创意研发、策划创作、剧目生产、现场演出、推广宣传、版权运营、衍生增值、投资孵化为一体的全生态演出平台；开心麻花公司经过十多年发展，积累了大量原创喜剧IP，通过发掘原创IP价值，不断推动其高人气IP向网络剧、影视剧等产品改编，既减少电影的前期创作投入成本，又增加了公司的营业收入。如2015年，由话剧改编的电影《夏洛特烦恼》大获成功，给公司带来1.92亿的营业收入，占当年营收的50.03%。如今，开心麻花的IP已从舞台剧延展到影视及艺人等多类资源，依托这些优质原创IP，逐渐形成了“戏剧+电影+艺人经纪”的独特商业模式，同时通过开发小爆哥、梅友家族、88弟弟等IP形象角色和授权消费品提升衍生价值，为公司带来了稳健的发展。
　　但对整个演出行业而言，这种泛娱乐产业链的打造和多元盈利模式的实践案例尚为数不多，在IP孵化战略和全版权运营战略的探索与实践上依然任重道远。

三、后疫情时代演出行业发展的思考

　　时下，国内疫情虽然已经得到有效控制，但是国外情况仍不容乐观。此次疫情影响深远，大多数人生活模式、消费方式都开始发生变化。未来演出行业若想恢复到2019年之前的水平，可能会要经历漫长的等待。行业大调整、行业转型迫在眉睫。
　　疫情期间，演出行业采取的非常措施为不少演出企业赢得了喘息之机，其呈现出的新趋势将给行业带来新的活力和发展机遇。在当今世界正经历百年未有之大变局，国际局势复杂多变的形势下，我们面临的风险挑战前所未有，行业来不得半点松懈，必须从行业存在的实际问题出发，顺应趋势，依靠改革激发市场主体活力，增强企业发展的内生动力。就行业自身而言，笔者认为可从以下四个方面进行转型突破，以赢得后疫情时代的发展先机。
 

（一）以创新为动力做强原创品质

　　过去，国内演艺票房收入构成中国外引进剧目占比不小。这让整个行业更加清晰地认识到自身现状——国内经典IP还比较少，票房号召力还不够。诚然，在部分细分演出领域中，国内原创市场已经有所突破，如近两年，舞剧方面，市场增幅大、增速快，《永不消逝的电波》《醒·狮》《孔子》等优秀民族舞剧或一票难求，或持续在国内外市场上演，广受好评；音乐剧方面，上海文化广场推出的“2019华语原创音乐剧孵化计划”推动了原创力量的崛起和华语音乐剧发展，使得音乐剧孵化成果亮眼；话剧方面，更是出现很多口碑票房双佳作品，市场竞争力增强明显，2019年国内话剧票房占据半壁江山；儿童剧方面，北演公司原创剧目《故宫里的大怪兽之吻兽使命》自2018年7月首演以来，平均上座率高达98%，收获了无数家长与孩子的青睐。但整体而言，国内原创市场仍有较大进步空间：塑造长期市场生命力的舞剧仍在少数；国内音乐剧尚未形成滋养非本土艺术土壤，产业体系仍需积极探索；经受市场考验的优质原创话剧主要集中于开心麻花、孟京辉等少数团队；儿童剧原创力依然欠佳，整体新创剧目不多，甚至有所下降，市场大热产品基本来自于海外引进IP，现实题材不如成熟IP改编作品受欢迎。
　　而疫情当前，国外演出团队暂时无法进入国内市场，造成一定原创剧目缺口，也为国内演出原创市场营造了良好时机，提醒国内演出团队当抓住国外引进作品空窗期，从群众需求、民族文化内核、艺术品质、院团品牌意识等方面持续提升项目，增强原创内容制作能力，拿出更多优秀作品，占据更大的市场份额。
 

（二）以市场为导向做优服务体验

　　如今，人们的文化娱乐生活方式日趋丰富多彩，审美观念发生变化，在文化市场竞争日益激烈的情况下，演出企业必须要强化市场意识和竞争意识，适应市场经济体制的要求，面向市场和观众，以客户为中心，提供更好、更新、更优服务，方能赢得生存发展主动权。一是过程互动化。在演艺作品角色塑造过程中，注重与观众的互动，并从观众视角来塑造人物角色，让观众更有代入感，更有共鸣，更有触动，才能更易获得好评和认可。如《不眠之夜》打破了演员在舞台上表演、观众在舞台下观看的单一观演方式，采取了互动式、参与式的体验，从众多演出中异军突起，表现令人瞩目。二是手段科技化。随着大数据、区块链、5G、人工智能、物联网等技术的全面普及，科技手段和现场演出方式的结合，将不仅是演出过程中的一种技术宣传手段，甚至变成演出内容的一部分，促进演出产品的多样性、创新性，推出更多具有可视化、交互性、沉浸化的内容产品，从根本上带来特色多元的演出产品和服务。如2020秋季上海科学会堂草坪音乐会首次应用AR技术，为高雅艺术添上浓浓科技感，展现神奇舞台效果，让科技工作者提前“赏月”，带来一场耳目一新的视听盛宴。三是内容主题化。内容是演出的核心要素，演出内容要有特色，有主题，才能具有吸引力。如清明上河园创制的《大宋·东京梦华》主题演艺，通过十多年来的不断发展和创新，逐渐形成了大、中、小型剧目相结合的表演体系，通过演艺活化历史，不仅让游客在静态的宋式建筑和园林景观中，身临其境体验了震撼、精致、华丽的大宋演出，还有效提高了景区的品牌影响力、知名度。
 

（三）以标准化管理为目标做大生产体系

　　长期以来，演出资源和产品分散及企业科学管理能力欠缺等原因，导致行业整体市场化和产业化水平不足。而更高的利润和更低的成本是产品规模化生产的前提和动力。未来，将演出行业的产业链条标准化和流程化，促进各环节科学决策有效衔接，是提高项目投入产出成效的可行之策。尤其在项目管理方面，要注重标准化、数据化和信息化，加快研究立项、筹备、制作、推广、总结等不同阶段工作的标准流程。第一，在立项阶段，要做到多维度把关。定期召开项目评审会，根据内容IP、运营策略、推广定位、演出团队等进行评分，审核演出项目的可塑性和发展性。第二，在策划阶段，要做到精细化设计。采购高评分演出项目资源，精心策划、设计场馆排期和巡演路线规划。第三，在制作阶段，要做到科学性预算。研发ERP系统，演出立项后系统会自动寻档、调用数据、查看排期、预定场馆，并根据历史数据筛选测算，预估项目预算。第四，在落地阶段，要做到标准化执行。基于一系列项目流程执行标准，确保演出顺利执行和落地。第五，在推广阶段，要做到供需端的精准连接。基于产品品类划分，把各类演出项目按照商业价值和观众鉴赏能力进行针对性推广，实现演出与潜在观众更精准连接。

（四）以政企为合力做好行业生态

　　演出行业的未来发展，离不开社会各界的共同努力。尤其要实现政府与企业的密切合作，方能共筑可持续发展的演出行业健康生态。政府层面，需从优秀传统文化传承、原创剧本孵化、特色项目展演、产业人才培训等方面扶持演出行业发展，鼓励金融模式创新，引导社会资本投资演出业，推动演出业与相关产业深度融合，丰富业态，激发文化消费活力，引导市场转型创新。同时，逐步引导行业规范化发展，从加强演出内容审核、简化剧目审批流程、规范票务市场经营秩序等方面加大监督和把关力度，并推动演出行业标准建设，保障演出安全和服务规范。企业层面，从剧团、剧院、发行公司、票务平台到行业协会，演出生产生态链上的每个环节，都应从各自的特点出发，采取有针对性的措施，探索一些富有成效的经验，如大量储备剧本，坚持艺术创作，深入市场调研，拓展线上业务，升级剧场服务等。

四、结语

　　百年未有之大变局叠加疫情冲击下，加速了国内舞台的“内循环”。后疫情时代，演出行业将重新洗牌，资本逐步回归理性，原创内容质量获得较大提升，企业经营管理更趋精细高效，实现更规范健康、更可持续的行业发展，已渐渐成为业界共识。能否客观积极看待国内外经济发展大势、精准把握行业发展方向、敏锐捕捉市场需求，将决定着行业未来的发展成败。演出行业不仅要应势而动，顺势而为，在演出方式、演出空间、融合创新、商业模式等方面前瞻布局，还要迎难而上、创新思变，在原创品质、服务体验、生产体系、行业生态等方面下足功夫。
　　“没有冬天不可逾越，没有春天不会来临”。相信在政府管理部门和市场主体并肩站立、携手共进的努力下，演出行业必将攻坚克难、爬坡过坎，拓出转型升级新路，实现后疫情时代的高质量发展。